« Je ne peins pas pour orner, mais pour révéler l’invisible » : les mots du directeur Mark…

Dans un monde où l’art est souvent confiné à l’esthétique et à la décoration, certaines voix s’élèvent pour rappeler que peindre va bien au-delà de la simple mise en beauté. C’est le cas de Romain Aubry, plus connu sous le pseudonyme Niamor, un artiste dont la démarche interpelle par son intensité et son originalité. Directeur marketing le jour, il se transforme le soir en créateur autodidacte, mêlant ses multiples facettes pour produire des œuvres qui ne cherchent pas à séduire par la surface, mais à inviter à plonger dans des univers intérieurs profonds, souvent voilés aux premiers regards.

Sa technique, qualifiée d’Inversalisme, consiste à peindre des portraits en négatif sur aluminium, un procédé qui invite à la contemplation de l’invisible. Avec une prédilection marquée pour le bleu, notamment le cobalt et l’outremer, ses toiles deviennent un souffle, une respiration qui interpelle par leur force expressive. Cet engagement artistique, loin d’être une quête de reconnaissance immédiate, s’inscrit dans une volonté farouche de transmettre des émotions brutes et des récits fragmentés de sa propre vie, tout en invitant le spectateur à un travail de recherche et de ressenti.

Peindre pour révéler l’invisible : une quête d’émotion et de sens dans l’art contemporain

L’art contemporain regorge de personnages qui ne se satisfont pas du visible ou de l’ornement. Pour eux, peindre devient un acte d’expression intense où la toile n’est pas un simple support d’embellissement mais un vecteur pour révéler ce qui demeure caché, un monde invisible fait d’émotions profondes, de mémoires enfouies, de silences et de cris.

Dans cette lignée, Romain Aubry, alias Niamor, illustre parfaitement cette volonté. Il ne cherche pas à figurer le monde extérieur tel qu’il se présente. Sa peinture est une sorte de vue éclatée, une architecture émotionnelle où chaque couche recèle une part de secret. Ce processus rappelle les réflexions de nombreux artistes comme Pablo Picasso qui affirmait « Je ne peins pas ce que je vois, je peins ce que je pense ». L’œuvre devient ainsi un dialogue entre la pensée, la mémoire et l’imagination, invitant le spectateur à décoder davantage qu’à simplement regarder.

La peinture de Niamor est une invitation au questionnement, une incitation à observer ce qui se cache derrière les formes, les couleurs, les strates. Cette dimension d’invisible à débusquer crée un lien fort entre l’artiste et celui qui observe, un échange qui donne du sens à l’acte créatif. On est loin des clichés d’un art décoratif dont la finalité s’arrête à la simple satisfaction visuelle.

Du numérique à la matière : la transformation d’un parcours artistique

Avant de s’imposer dans le monde de la peinture sur aluminium, Romain a exploré le domaine du numérique. En 2019, il crée des logos, des designs pour vêtements et diverses créations visuelles. Ce passage par le digital lui a permis d’expérimenter de nouvelles formes d’expression, notamment via les NFT qui ont connu une explosion d’intérêt à la fin des années 2010 et dans les années 2020, notamment en Californie. Cette expérience fut une porte ouverte à une communauté internationale et mobile.

Pourtant, ce monde virtuel ne suffisait plus. Le besoin de toucher, de manipuler la matière, de sentir la texture sous les doigts s’est imposé. Le retour à la peinture classique s’est accompagné d’une technique spécifique : il peint en couches successives, d’abord un fond, puis des mots et des phrases évoquant des nuances d’émotions, qu’il recouvre ensuite. Enfin, il fait apparaître un personnage, ou plutôt un fragment d’âme, souvent fragmenté, voilé, presque secret.

Cette dualité entre la méthode digitale et le travail tactile montre la riche ambivalence d’un artiste à la croisée des chemins. Ce choix témoigne d’une recherche d’expression profonde où la profondeur des émotions ne trouve d’écho que dans une forme d’art brut, sans compromis. Loin d’un art corseté, cette voie offre à la fois liberté et mystère.

Le rôle essentiel du bleu Niamor dans la création artistique

Parmi les caractéristiques les plus marquantes des œuvres créées par Niamor, le bleu occupe une place centrale, presque spirituelle. Le bleu cobalt et outremer, parfois indéfinissables parfois hypnotiques, reviennent en fil conducteur comme une signature chromatique. Cette teinte particulière n’est pas un simple choix esthétique mais une véritable drogue, une couleur-refuge, une couleur-thérapie.

Le bleu est souvent associé à la sérénité, la profondeur, la contemplation ou encore au mystère. Dans le travail de Niamor, ce bleu agit comme une respiration, un souffle qui relie chaque couche de peinture et donne corps à son univers. Cette prédominance offre une cohérence visuelle et une forte identité, reconnaissable entre mille.

La symbolique du bleu dans la peinture a une longue histoire. Des maîtres comme Claude Monet ont su en faire un langage expressif. Sa célèbre citation illustrant la valeur des nuances dans l’art démontre à quel point les couleurs créent du sens. De manière semblable, ici, le bleu devient un pont entre le visible et l’invisible, un médium permettant d’exprimer ce que les mots ne peuvent parfois pas contenir.

Dans l’art brut dont Niamor est héritier, ce bleu permet aussi d’inviter à une expérience sensorielle et émotionnelle unique. Il ne s’agit pas uniquement d’une couleur sur la toile, mais d’une vibration qui invite à plonger dans l’imagination. Chaque nuance, chaque intensité est chargée de sentiments et de souvenirs, une composition à la fois personnelle et universelle.

Un langage visuel aux multiples strates

Dans cet univers, le bleu n’est que l’un des éléments constitutifs d’une œuvre à plusieurs niveaux de lecture. La peinture de Niamor est conçue comme une stratification où le visible cache le caché, et le concret laisse place à l’abstrait. Chaque couche ajoutée crée un effet de profondeur, une invitation à s’attarder, à chercher, à ressentir.

Cette double lecture invite à une implication active du regardeur qui devient alors co-créateur, interprète invité à lire entre les lignes, à dévoiler ce qui est caché. Par cette démarche, l’artiste déplace les frontières du visible et de l’invisible, donnant au mot « révéler » tout son poids dans la pratique de la peinture.

Cette approche rappelle les propos recueillis dans une newsletter taoïste qui évoque « la plus grande illusion est de croire que le vide est vide ». Ici, la toile est loin d’être un simple espace, elle est un lieu de superposition et de mémoire, de silence et de cri, un espace vivant à apprivoiser.

Voyager avec l’art : une création qui dépasse les frontières

Les œuvres de Niamor ne restent pas confinées à des murs d’atelier ou des galeries classiques. L’artiste a développé, de manière innovante, un rapport au public et à l’espace en permettant à ses créations de voyager, de se déployer, de s’inscrire dans des contextes inattendus. Ainsi, l’été dernier, il a ramassé des coquillages sur des plages, y a dessiné, inscrit son contact, et les a abandonnés sur place. Ces petits trésors, anonymes, attendent d’être découverts pour susciter une rencontre entre l’art et l’étranger.

Ce geste symbolique inscrit cette démarche dans une réflexion plus large sur la diffusion de l’art au-delà des circuits habituels, une forme d’échange avec l’inconnu. Par la suite, de petites œuvres format 20×20 cm ont été confiées à des proches en voyage, ce qui leur a permis de plonger sous les eaux polynésiennes, traverser l’Atlantique ou s’envoler vers New York, dans un périple qui invite à questionner la place géographique et symbolique de l’œuvre. Seul point manquant, l’Australie, un dernier espace à conquérir pour matérialiser cet idéal nomade.

Ce type de voyage pour une création rend l’art vivace, vivant, et accompagnera toujours ce surprenant équilibre entre invisibilité et manifestation, entre intimité et partage. C’est aussi une manière de refléter l’identité complexe d’un artiste qui vit simultanément entre une vie structurée de directeur marketing et une existence nocturne, instinctive et poétique.

Les lieux et opportunités pour découvrir l’univers de Niamor

Aujourd’hui, les œuvres de Niamor se découvrent sur plusieurs plateformes numériques comme Artmajeur, et s’inscrivent dans La cote des peintres, un répertoire qui permet de connaître la valeur actuelle d’un peintre. Ce passage à la reconnaissance officielle se poursuit par des expositions régulières, notamment à Paris, sur l’île de Ré ou encore dans sa ville d’origine, Rodez. Ces événements renforcent la visibilité d’un artiste qui, sans rechercher la célébrité, impose un nom et une signature distincte dans l’univers artistique contemporain français.

Pour les curieux, une ballade au bord de la mer pourrait aussi offrir une rencontre inattendue avec ces coquillages-œuvres d’art, échos d’une esthétique singulière et poétique. Par ailleurs, ses réseaux sociaux, notamment Instagram, permettent de suivre son actualité de près et d’apprécier ses expérimentations artistiques.

Cette pluralité d’accès souligne combien la peinture de Niamor dépasse les frontières classiques du musée pour s’immiscer dans la vie quotidienne, la matière, l’espace, et donc dans la réalité partagée. Son art invite ainsi à découvrir non seulement des œuvres mais un univers à explorer avec patience, curiosité et sensibilité.

Près de 400 œuvres : un corps d’art impressionnant pour une quête infinie

Avec près de 400 créations réalisées dans des formats allant de 20×20 cm à 200×100 cm, l’œuvre de Niamor est aussi riche que variée. Chaque tableau est porteur d’un déplacement de l’ordinaire vers l’extraordinaire, une invitation à révéler ce qui, à première vue, semble invisible.

Mais comment déterminer que ces œuvres sont achevées quand l’artiste lui-même confesse que c’est le « moment horrible » ? Ici, finir une œuvre signifie choisir un instant où le travail cesse, bien que la sensation de continuation reste. Cette tension constante entre maîtrise et chaos est au cœur d’une poétique qui bouscule les conventions et entraîne le public vers une expérience hors normes.

Ce combat intérieur, loin d’être un frein, est un moteur puissant. Il permet à chaque création d’incarner une vie, une mémoire, un fragment d’âme, mais aussi d’ouvrir un espace pour l’imaginaire et l’émotion collective. Ainsi, ce qui pourrait paraître comme un paradoxe devient finalement un atout majeur, aussi riche qu’inspirant.

Un tableau récapitulatif des formats et thèmes explorés par l’artiste

Format	Thématiques principales	Types de matériaux	Exemple d’émotion évoquée
20×20 cm	Portraits fragmentés, souvenirs intimes	Aluminium, peinture acrylique	Intimité, vulnérabilité
50×50 cm	Figures humaines et strates émotionnelles	Pierre, collages mixtes	Complexité, profondeur
100×50 cm	Présence assumée, tension intérieure	Toile, techniques mixtes	Force, mystère
200×100 cm	Œuvres narratives, couches multiples	Aluminium, Inversalisme	Souvenir, quête

Dans cet inventaire varié et riche se lit une démarche où l’expression se nuance et s’adapte aux espaces, aux publics et aux contextes, mais qui conserve toujours une signature forte.

Pourquoi Romain Aubry utilise-t-il le pseudonyme Niamor ?

Il utilise ce pseudonyme comme une forme de protection et d’autorisation pour s’exprimer sans réserve, permettant une liberté totale dans sa création artistique.

Qu’est-ce que la technique de l’Inversalisme ?

L’Inversalisme est une technique innovante où l’artiste peint en négatif sur aluminium, mettant en lumière des détails que la peinture traditionnelle ne révèle pas toujours.

Pourquoi le bleu est-il central dans son œuvre ?

Le bleu cobalt et outremer constitue un fil rouge, une couleur refuge qui apporte à ses œuvres une profondeur émotionnelle, un lien entre visible et invisible.

Comment les œuvres de Niamor circulent-elles ?

Ses créations voyagent sous différentes formes, notamment par de petites œuvres confiées à des voyageurs ou même à travers des coquillages peints abandonnés sur des plages, créant un parcours nomade et singulier.

Cette démarche singulière, à la frontière entre marketing et art brut, souligne la richesse d’un univers où l’imagination se confronte au monde visible pour révéler l’invisible. La trajectoire de Romain Aubry, directeur marketing le jour et artiste révélateur la nuit, invite à voir l’art autrement, non comme un simple ornement, mais comme une puissante source d’émotions et de profondes réflexions.

Découvrir d’autres pensées sur le rôle de l’art et explorer la philosophie du peintre du vide enrichissent la compréhension de cette approche innovante et essentielle.